Colloque SQET 2025 – Horaire

Les dynamiques intermédiales comme facilitatrices d’une mise en commun dans la mise en scène de « Humeurs de Veuve »

Charlotte Gagné-Dumais

Les dernières créations du Théâtre des Trompes (Plein tube, 2021; Humeurs de Veuve, 2025) autour des textes de Hervé Bouchard (respectivement Mailloux et Parents et amis sont invités à y assister) ont été intrinsèquement liées à mes recherches doctorales. Au moment du dépôt de la thèse, les répétitions d’Humeurs de Veuve débutaient. Ainsi, une partie importante du travail de recherche-création a continué après la rédaction de la thèse. Maintenant la mise en scène de ce spectacle achevée, je peux explorer de façon approfondie les échanges entre la théorie et la pratique qui ont eu lieu.

Entre les quelques mantras qui animent les répétitions (« Rarement Stanislavski, souvent Brecht », « Il faut raconter ») et l’utilisation d’une immense robe de bois comme dispositif scénique, les stratégies d’opacifications et de transparence utilisées au cours du processus de création sont devenues essentielles à une possible mise en commun des différents médias mobilisés par la production; c’est-à-dire d’une mise en commun des diverses présences humaines et autres-qu’humaines (texte, scénographie, conception sonore, conception lumière, conception vidéo, etc.).

C’est en combinant ce qui est généralement considéré comme des opposés – tels que le temps de la machine et le temps de l’humain (Mézergues), l’opacité et la transparence (Bolter et Grusin), la présence médiatisée et en direct (Auslander), le jeu réaliste (Stanislavski) et le jeu distancié (Brecht) – que nous parvenons à découvrir de nouvelles possibilités, et à comprendre que les oppositions sont moins franches dans le concret de la pratique artistique que dans certaines bulles théoriques. Ces combinaisons, inévitablement intermédiales, sont un travail concret de l’en-commun.

Bio : Charlotte Gagné-Dumais est metteur·e en scène et obtient son doctorat à l’Université de Montréal en 2024. Après des études en cinéma, iel étudie le théâtre contemporain dans une perspective intermédiale. Dans ses recherches comme dans sa pratique artistique, iel s’interroge sur la présence intermédiale des interprètes, la relation à l’autre-qu’humain et l’identité de genre. En 2015, iel fonde, avec Laurence A. Clavet, la compagnie de création féministe le Théâtre des Trompes. Iel y assure la direction artistique ainsi que la mise en scène de plusieurs projets, dont le Cycle de la Roche, un cycle de création dédié aux textes d’Hervé Bouchard, au Théâtre aux Écuries. Charlotte aime les pâtisseries.

Se représenter au théâtre : la mobilisation de la subjectivité dansle théâtre documentaire québécois contemporain

Myriam Boileau

« S’il veut remplir sa mission pédagogique, le drame politique ne doit pas prendre comme point de départ l’individu mais le document » (Piscator, 1929 : 213). Alors que le théâtre documentaire avait pour ambition originale une volonté de prise de conscience politique à travers ce que son créateur Erwin Piscator nommait le document, les choses ont depuis changé. À une époque où les expériences individuelles prennent de plus en plus d’importance dans la compréhension que les acteurs ont de leur société (Martuccelli, 2017), les formes québécoises de théâtre documentaire ont plutôt fait émerger une dramaturgie où l’individu est partie prenante des enjeux sociopolitiques présentés sur scène. Cette manière de vivre le politique comme extension de soi s’inscrit dans une façon de travailler la dramaturgie d’une pièce de théâtre documentaire où l’individuel et le collectif sont étroitement liés. Se basant sur J’aime Hydro et Run de lait, deux spectacles phares du théâtre documentaire québécois contemporain, cette présentation jettera un regard sur la façon dont les notions de subjectivité et du commun se déploient sur la scène théâtrale d’aujourd’hui. Cette
rencontre entre une base sociologique et un corpus artistique permettra d’illustrer la tension à l’œuvre entre la notion de subjectivité, traitée sur le mode de l’expérience individuelle, et son imbrication dans les enjeux sociopolitiques que le théâtre documentaire met en scène, par l’entremise de notre conception du commun.

Bio : Étudiante à la maîtrise en théâtre à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal (UQÀM), Myriam Boileau est également détentrice d’une mineure en études théâtrales de l’UQÀM ainsi que d’un baccalauréat en sociologie avec une spécialisation en études féministes, des genres et des sexualités réalisé à l’Université de Montréal (UdeM). Son parcours est par ailleurs ponctué de séjours à l’international, dont à l’Université de Lund en Suède pour un programme d’échange étudiant ainsi que, plus récemment, au Rwanda et au Nunavik dans le cadre de contrats professionnels. Intéressée par les notions de subjectivité, du commun et du politique ainsi que leurs imbrications dans le milieu théâtral, son projet de recherche porte sur la représentation du commun au sein du théâtre documentaire québécois contemporain, à savoir celui des dix dernières années. En parallèle à ses études, Myriam travaille également comme documentaliste au Centre de documentation de l’École supérieure de théâtre (CEDEST).

Le Collectif Baba Yaga; l’expérience d’un gym de création en arts vivants

Marilou Guay-Deschênes

Résumé à venir.

Bio : Originaire d’Alma, Marilou a étudié en théâtre au Bac Interdisciplinaire en Arts de l’UQAC et au Cégep de Limoilou. Elle travaille comme comédienne pour diverses compagnies de théâtre et au sein de l’organisme Clowns Thérapeutiques Saguenay. En plus d’être formatrice, auteure et metteure en scène pour la troupe les En-Tête-T et médiatrice culturelle pour (presque) toutes les compagnies de théâtre, Marilou est cofondatrice et membre du collectif de création Baba Yaga. Elle s’est récemment tournée vers ses propres créations avec le projet Passion à la Bleuetière et le spectacle Celles que je porte, présenté en janvier 2025 à La Rubrique.

Co-création scénographique – Atelier « Processus horizontaux enscénographie » à la Escuela Nacional de Arte Teatral de Mexico

Cassandre Chatonnier

J’ai la chance d’être invitée cet hiver à donner l’atelier « Processus horizontaux en scénographie » aux finissants en scénographie et en jeu de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Mexico.

Cet atelier est nourri à la fois de mon enseignement à l’École de Théâtre du Cégep de Saint-Hyacinthe, de ma Maîtrise en Théâtre (UQAM, 2016) et de ma visite à la Quadriennale de Prague 2023. Riche de ces expériences j’ai pu développer une approche de création scénographique collaborative.

En effet, le processus de création scénographique d’une production théâtrale enseigné habituellement dans les écoles de théâtre au Québec consiste à penser et à concevoir les éléments de design tels que le décor ou les costumes avant même que les comédiens ne commencent les répétitions. Le dialogue n’a alors lieu qu’entre le metteur en scène et le scénographe. De ce fonctionnement résulte parfois un manque de cohésion entre l’équipe de production et les acteurs et l’objet scénographique semble être parfois un collage mal maîtrisé entre les comédiens et l’espace qui les entoure. 

L’atelier se déroulera en deux phases. Les étudiant.e.s commenceront  par choisir deux lieux publics dans la ville de Mexico qui les inspirent en terme d’espace pour la pièce En attendant Godot de Samuel Beckett. Iels iront ensuite tester une scène de la pièce dans ces lieux afin d’observer quels sont les impacts des qualités architecturales sur le jeu des acteurs. Les étudiant.es créeront ensuite un concept de décor pour la pièce directement nourri du processus d’exploration in situ. 

Je présenterai lors du colloque la façon dont j’ai accompagné les étudiant.e.s ainsi que les apprentissages et les défis de cette démarche appliquée à un autre contexte culturel que celui du Québec.

Bio : Diplômée de l’école Boulle en « design d’espace » (Paris), Cassandre Chatonnier s’est installée en 2008 au Québec, où elle a pu se spécialiser en scénographie de théâtre grâce au baccalauréat en « Design For The Theatre » de l’Université Concordia. Depuis sa graduation, elle travaille comme scénographe, chercheure et enseignante. De par sa formation en design d’intérieur, le travail de Cassandre est largement influencé par l’architecture. Elle s’intéresse également au rapport qu’entretient l’acteur avec l’espace ainsi qu’aux différentes façons dont celui-ci peut venir nourrir sa pratique de conceptrice. Elle détient une maîtrise en théâtre de l’UQAM sur ce sujet, obtenue avec la mention « excellent ». Elle possède aujourd’hui un doctorat en Études Urbaines INRS, où elle s’intéresse au rapport entre performances autochtones et appropriation de l’espace, et à la co-création d’une méthodologie pour repenser les espaces publics urbains à travers la danse.

Apprendre ensemble au sein de la formation professionnelle en arts du cirque. Perspective de recherches croisées.

Sarah Poole et Marie-Eve Skelling Desmeules

Suivant l’idée de se rejoindre, cette communication vise le croisement de deux recherches traitant des manières d’apprendre, d’accompagner et d’être ensemble au sein de la formation hybride de l’artiste de cirque.

Espace de coexistence entre des personnes aux statuts variés (communauté étudiante et enseignante d’une diversité de disciplines circassiennes, de théâtre, de danse; artistes invités; conseiller.ères artistiques, metteur.ses en piste; gréeurs), ce type de formation de l’artiste scénique donne lieu à des cheminements individualisés aux différents objectifs de spécialisation. Au sein de ces programmes se vit une tension entre un système de formation scénique principalement orienté vers le résultat (en termes de performance) et un système orienté vers les expériences d’apprentissage en amont des présentations et des possibilités d’employabilité des finissant.es.

Le croisement de nos recherches ouvre sur un savoir à être ensemble au sein de ce type de formation aux multiples enjeux. Ensemble, nous interrogeons les représentations passées (en contexte de formation), actuelles (en tant qu’artistes de cirque) et futures (au regard du prolongement de leur carrière) afin de réfléchir aux expériences d’enseignement et d’apprentissage que ces contextes de l’en-commun impliquent. 

Alors que l’une des deux recherches conduit à mieux comprendre les expériences et les perspectives de 85 étudiant.es et enseignant.es dans différentes formations professionnelles (Skelling Desmeules, 2017-2020), l’autre aborde les perspectives de 13 diplômés – à qui la chercheuse avait déjà enseigné – au sujet d’approches pédagogiques permettant le développement de compétences et d’habiletés essentielles à une longévité de pratique (Poole, 2021-2023).

Bio : Sarah Poole est étudiante à la maîtrise à l’Université Concordia.  Américaine et danseuse contemporaine d’origine, elle s’établit au Québec en 2003, complète une attestation d’études collégiales comme formatrice en cirque (2008) à l’École nationale de cirque de Montréal (ÉNC) et un certificat d’études supérieures en leadership en éducation à l’Université McGill (2022). Elle a enseigné 14 ans à l’ÉNC en plus d’avoir récemment œuvré en tant que directrice de la Formation Supérieure à l’École de cirque de Québec (2022-2024). Coach spécialisée, elle travaille sur plusieurs créations originales pour le Cirque du Soleil (MESSI10, KURIOS, CRYSTAL, SAND) ainsi que pour le Cirque Éloize (SEUL ENSEMBLE). Elle offre également  des ateliers de techniques aériennes et de recherche chorégraphique en Europe, aux États-Unis et au Canada de façon régulière. 

Marie-Eve Skelling Desmeules est professeure au Département des arts, des lettres et du langage de l’UQAC, vice-présidente de la Société québécoise d’études théâtrales (SQET), coresponsable de l’axe Théâtre et formation et membre du comité directeur du Groupe de recherche en enseignement du théâtre (GRET). Elle fut d’abord formée en jeu (École supérieure de théâtre, UQÀM), puis en enseignement des arts (Université d’Ottawa) avant de compléter un doctorat portant sur les expériences de formation professionnelle en théâtre et un postdoctorat sur celles en cirque (Université Concordia). Elle a aussi enseigné au secondaire et à la Faculté d’éducation de l’Université d’Ottawa de 2011 à 2022. 

Les méthodes et les expériences de l’en-commun dans le contexte du projet « Mettre en scène de meilleurs avenirs ».

Geneviève Bélisle, Jeffrey Gagnon, Nicole Nolette, Marie-Eve Skelling Desmeules

Le projet de recherche SBF/MSMA s’organise autour de plusieurs approches ayant comme dénominateur commun l’idée de communauté. Parmi celles-ci, la recherche dirigée par la communauté (community-driven) et le protocole de recherche collaborative adaptée par la Fédération des centres d’amitié autochtone de l’Ontario ont retenu l’attention en mettant de l’avant des principes comme l’accessibilité et l’interrelationalité. Convaincu que le fait d’encourager un esprit collaboratif mène à l’identification et au développement de « pratiques sages/avisées » qui reconnaissent les besoins variés de diverses communautés, le groupe de recherche espère développer des méthodes et des solutions modifiables et adaptables.

S’inscrivant tout à fait dans l’idée d’un en-commun, SBF/MSMA s’appuie ainsi sur l’autoethnographie collaborative (ou collective) comme méthodologie de recherche. Alliant à la fois rigueur, créativité et souplesse, cette approche vise à encourager la valorisation, la mise en commun et le partage des expériences et des connaissances de l’ensemble des individus rassemblés dans un pôle de recherche, quel que soit leur champ d’expertise et leur parcours. Au sein de cette « zone de contact », nouvelle communauté en devenir, des règles, protocoles et outils de recherche sont développés par l’ensemble du groupe afin de dégager un espace favorisant l’émergence d’autres connaissances issues de ces interrelations et expériences collectives.

Bio :

Geneviève Bélisle : Artiste de théâtre, Geneviève Bélisle est active dans le milieu artistique québécois depuis 1997. Elle a également été médiatrice culturelle au sein de plusieurs organismes et théâtres de la région montréalaise, dont Le Clou et la Maison Théâtre, rôle qu’elle poursuit aujourd’hui au sein du Festival TransAmériques (FTA). En 2023, elle a joint l’équipe de la compagnie de théâtre inuite Aaqsiiq et se rend ponctuellement dans la communauté de Tasiujaq pour développer et animer des ateliers à l’école Ajagutak en compagnie d’autres artistes inuit et allochtones. Elle est aussi chargée de cours à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal (UQÀM). Elle a obtenu, au printemps 2025, un doctorat en études et pratiques des arts avec une thèse-création intitulée « Vertiges : le théâtre pour instaurer la rencontre entre Autochtones et non-Autochtones ».

Jeffrey Gagnon : Jeff Gagnon est chercheur postdoctoral (éthiques et méthodologies) à Staging Better Futures/Mettre en scène de meilleurs avenirs. Jeff a obtenu son doctorat au Centre for Drama, Theatre, and Performance Studies de l’Université de Toronto. Sa thèse : Tactical Dramaturgies : Media, the State, and the Performance of Place-Based Activism développe une analyse des tactiques de protestation employées par les groupes de résistance en Amérique du Nord. Les travaux de recherche actuels de Jeff portent sur les mobilisations en faveur de la souveraineté du spectre et sur un réexamen de la relation entre le cyberespace, le territoire matériel et le colonialisme de peuplement.
Avant de poursuivre des études supérieures, Jeff a enseigné au secondaire dans le nord de l’Ontario et a depuis travaillé comme chercheur et éditeur numérique au Theatre Times, rédacteur en ligne à Theatre Research in Canada/Recherches théâtrales au Canada (TRiC/RTAC) et spécialiste de l’éducation à MediaSmarts.ca.

Nicole Nolette est titulaire de la Chaire de recherche du Canada en études des minorités et professeure agrégée au Département d’études françaises de l’Université de Waterloo. Pour son livre Jouer la traduction. Théâtre et hétérolinguisme au Canada francophone (2015), elle a été lauréate du prix Ann-Saddlemyer de l’Association canadienne de la recherche théâtrale et du Prix du meilleur ouvrage en théâtre de la Société québécoise d’études théâtrales pour la période 2014-2016. Son livre Traverser Toronto. Récits urbains et culture matérielle de la traduction théâtrale est paru aux Presses de l’Université de Montréal en 2024.

Marie-Eve Skelling Desmeules est professeure au Département des arts, des lettres et du langage de l’UQAC, vice-présidente de la Société québécoise d’études théâtrales (SQET), coresponsable de l’axe Théâtre et formation et membre du comité directeur du Groupe de recherche en enseignement du théâtre (GRET). Elle fut d’abord formée en jeu (École supérieure de théâtre, UQÀM), puis en enseignement des arts (Université d’Ottawa) avant de compléter un doctorat portant sur les expériences de formation professionnelle en théâtre et un postdoctorat sur celles en cirque (Université Concordia). Elle a aussi enseigné au secondaire et à la Faculté d’éducation de l’Université d’Ottawa de 2011 à 2022.

Confessions scéniques : dispositif, théâtralité et réinvention du réel

Axe Théorie et Critique

La séance explorera la place et la signification du témoignage dans les pratiques théâtrales contemporaines, en interrogeant les rapports entre dramaturgie, territoire et politique.

Arnaud Rykner propose de penser le témoignage non pas comme un signifiant de notre époque, mais plutôt comme un « “dispositif pour le théâtre”, c’est-à-dire un dispositif profondément, intrinsèquement, nécessairement théâtral. » Envisager le témoignage comme un dispositif permet non seulement de dépasser les notions d’individualité et d’intimité qui y sont rattachées, mais d’interroger sa structure pour penser autrement la représentation. Cette réflexion soulève plusieurs questions fondamentales :

● Le dispositif du témoignage est-il intrinsèquement dramatique, ou participe-t-il à l’élaboration d’une dramaturgie singulière ?
● Qu’est-ce qui fait témoignage dans le théâtre, qui se présente toujours, ou presque, comme une personne prenant la parole devant autrui ?
● Comment penser le théâtre-témoignage autrement que par le prisme de l’individualité et du rapport entre théâtralité et réel ?
● Quels dispositifs théâtraux témoignent du territoire et comment le territoire est-il (re)présenté ?

Posture de l’auteur·ice dramatique en milieux de vie pour aîné·es

Alexandre Cadieux

Résumé à venir.

Bio : Alexandre Cadieux est actuellement responsable de la promotion des textes et de la médiation au Centre des auteurs dramatiques. Il a enseigné l’histoire du théâtre québécois, la théorie théâtrale et la critique dramatique à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal et au département de théâtre de l’Université d’Ottawa. Critique et chroniqueur dans les pages du quotidien Le Devoir de 2006 à 2017, il a également été membre du comité de rédaction de la revue Jeu durant de nombreuses années. Il a longtemps œuvré comme animateur, médiateur et concepteur pour le Théâtre de la Ligue Nationale d’Improvisation et l’organisme Les Voyagements – Théâtre de création en tournée. Il a également agi à titre d’aide-bibliothécaire à l’École nationale de théâtre du Canada.

Conférence-discussion

avec Marilou Guay-Deschênes et Dario Larouche

Bio : Originaire d’Alma, Marilou Guay-Deschênes a étudié en théâtre au Bac Interdisciplinaire en Arts de l’UQAC et au Cégep de Limoilou. Elle travaille comme comédienne pour diverses compagnies de théâtre et au sein de l’organisme Clowns Thérapeutiques Saguenay. En plus d’être formatrice, auteure et metteure en scène pour la troupe les En-Tête-T et médiatrice culturelle pour (presque) toutes les compagnies de théâtre, Marilou est cofondatrice et membre du collectif de création Baba Yaga. Elle s’est récemment tournée vers ses propres créations avec le projet Passion à la Bleuetière et le spectacle Celles que je porte, présenté en janvier 2025 à La Rubrique.

Diplômé du BIA (théâtre) et de la maîtrise en création (UQAC), Dario Larouche carbure aux projets et aux défis. Il a écrit une quinzaine de pièces dont deux sont publiées chez Somme Toute ainsi que de nombreux articles pour diverses publications. Metteur en scène prolifique, il a signé plus de quatre-vingts spectacles au cours des 25 dernières années. Gestionnaire d’expérience, il dirige depuis 2007 le Théâtre 100 Masques, depuis 2024 le Théâtre Les Amis de Chiffon en plus de collaborer, entre autres, avec le Théâtre Mic-Mac, la Société d’arts lyriques du Royaume et l’UQAC, où il est un chargé de cours régulier