Colloque SQET 2024 – Horaire

Vytautas Bucionis et Florian Grond

Écouter, Créer, et Renouveler

Le compositeur et ornithologue Vytautas et l’enregistreur de son immersif Florian) vous propose une expérience performative explorant le paysage sonore comme un auteur musical composant ses propres spectacles sonores. La présentation se constituera de deux performances de Vytautas qui participera au piano avec deux enregistrements sonores de paysages de nature contrastant, puis un montage de son œuvre orchestrale avec d’autres enregistrements en pleine nature d’ où provient une bonne partie du contenu motivique de l’œuvre. Tout s’alternera avec des réflexions des deux partenaires des découvertes qui se sont cristalliser pendant leurs récentes explorations. La présentation vise à questionner la séparation de la culture humaine de la nature en proposant de considérer la nature comme une partenaire égal pour le créateur humain, ainsi que la nécessité de former des pratiques culturelles qui protège la nature en tant que source de bien-être humain et une partie de son identité.

Bio : Vytautas Bucionis Jr. (né à Trakai, Lituanie en 1986) est un pianiste et compositeur de formation classique mais de nature polyvalente. Outre sa base académique, il s’est consacré aux musiques traditionnelles de l’Europe de l’Est et du Proche-Orient ainsi qu’au jazz modal et plusieurs styles populaires d’une approche progressive. Ayant obtenu sa maîtrise en composition à l’université de Montréal, il poursuit actuellement son doctorat toujours à l’UdeM sous la direction de François-Hugues Leclair mais en concert avec Maxime McKinley et Jimmy Leblanc. Pendant sa formation comme compositeur, l’amour pour la nature a suscité un vif intérêt pour l’observation d’oiseaux et l’enregistrement de sons de nature pour des motifs artistiques et de protection de l’environnement. Vytautas collabore depuis mai 2021 avec l’artiste médiatique Florian Grond dans de divers projets sur l’écoute de sons immersifs ainsi que dans son propre projet artistique et environnemental mettant en valeur la musicalité des paysages sonores de la nature.

Florian Grond est professeur adjoint en Design et Computation Arts à l’Université Concordia. Artiste médiatique et concepteur d’interactions sonores, ses travaux de recherche se concentrent sur la conception participative dans les domaines des arts, des médias immersifs et des technologies d’assistance. Expert en enregistrement sonore immersif, sound art et sonic interaction design, Grond explore également les concepts d’inclusive design avec les méthodes de recherche-création. Auteur de publications dans les domaines de sound art, auditory display et du design participative, il a exposé ses œuvres artistiques à travers l’Europe, l’Amérique du Nord et le Japon. Avant de rejoindre Concordia, Grond a entre autres obtenu une bourse postdoctorale de recherche-création B5 du FRQSC. Avec le chercheur littéraire Dr. Piet Devos il a développé en collaboration le concept des objets frontières sonores, une méthodologie qu’il explore présentement avec Melissa Park de McGill. Associé au département d’enregistrement sonore de la Schulich School of Music, Grond a aussi réalisé les premiers enregistrements en 6 degrés de liberté à l’Université McGill. Depuis 2021, il collabore avec le compositeur Vytautas Bucionis.

 Juliette Meulle

« Écouter au monde » : du son au soin des environnements dans l’usage des enregistrements sonores

Le son est caractérisé par sa capacité à faire émerger des phénomènes situés dans des zones en transformation, à développer notre imaginaire face à des évolutions en partie invisibles. Ainsi, se mettre à l’écoute ne signifie pas seulement ouvrir ses oreilles, cela revient à développer une certaine attention, à la fois éthique et épistémologique, aux lieux qui nous entourent et une certaine pratique du soin des autres, humains et non-humains. Différentes pièces sonores et spectacles explorant les potentialités du son peuvent ainsi être confrontés afin d’envisager comment passer d’une simple écoute à une attention portée aux transformations contemporaines de nos environnements, ainsi qu’à nos possibilités collectives d’agir. L’imaginaire développé par ces pratiques participerait ainsi des sens écologiques, individuels ou collectifs, que nous créons à partir de notre écoute et de sa nécessaire incomplétude.

Bio: Actuellement doctorante à l’Université Paris 8 sous la direction d’Éliane Beaufils, Juliette Meulle s’intéresse aux procédés de sonorisation au théâtre ainsi qu’aux manifestations sonores et radiophoniques sur scène et dans les processus de création. Après un mémoire de Master 1 dédié aux imaginaires écologiques dystopiques sur la scène contemporaine, elle a consacré son mémoire de Master 2 aux mises en scène du son dans le théâtre contemporain. Sa thèse, débutée en septembre 2022, porte sur la radio comme modèle esthétique dans le théâtre contemporain et dans les processus de création actuels impliquant notamment des enjeux environnementaux. Forte d’une expérience radiophonique au sein de la radio associative TrENSistor de 2017 à 2019 ainsi que dans la radio L’écho des planches depuis 2018, ses sujets de prédilection rendent compte de ce double intérêt pratique et esthétique, à la fois pour le sonore et le théâtre. En 2022, elle participe avec Chimène Lombard et Coline Lafontaine à la création du collectif Les Parlantes au sein duquel elle poursuit ses projets d’écriture, de création et de réalisation de fictions sonores et théâtrales destinées à la radio, la scène et tout ce qu’il y a entre les deux.

Séverine Leroy

Paysages sonores de la mémoire du génocide des Tutsi

Dans le cadre du projet de recherche création PRASORE (Pratiques sonores de la recherche), je me suis rendue au Rwanda en décembre 2023 pour y effectuer le tournage d’un documentaire consacré à la mémoire du génocide des Tutsi. Au cours de ce voyage sur les lieux de mémoires institutionnalisés mais aussi dans les paysages urbains et naturels, des témoins rescapés du génocide m’ont livré une parole in situ où l’on entend le palimpseste de la mémoire qui se superposent aux lieux de vie, lesquels n’expriment pas nécessairement les marques de ce qui fut. Parmi ces différents lieux du souvenir, le jardin de la mémoire paysagé par l’association Ibuka (Souviens-toi) à Kigali offre aux rescapés un espace naturel de méditation où chaque choix de plantation renvoie à un élément végétal des paysages du génocide et de la culture traditionnelle rwandaise. Je vous propose d’écouter ces lieux de mémoire.

Bio: Maîtresse de conférences en études théâtrales à l’UCO d’Angers depuis septembre 2021 (laboratoires CHUS-UCO et EA 3208 APP), mes recherches portent sur la documentation sonore des processus de création et les esthétiques de la mémoire. Ma thèse, soutenue en 2015 à Rennes 2, porte sur la poétique de la mémoire dans l’œuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily. Depuis 2014, j’investis le documentaire sonore comme un espace d’écriture de mes recherches allant de la mémoire des conflits (Défaut d’ingérence, Fr. Culture, 2014 ; Les sons de l’arrière,2015) à la mémoire de la création (Revenir sur les lieux, Fr. Culture, 2017 ; série documentaire du projet ARGOS, Europe Creative, 2021).

Eléonore Martin

Pratiques somatiques, créations in situ et engagement socio-politique : la création chorégraphique et circassienne contemporaine à Taiwan

Entre création de nouveaux modes de relation in situ, réflexion sur une identité taiwanaise multiculturelle et pratiques écosomatiques, ma communication s’attachera à montrer la vivacité de ces questions dans la création chorégraphique et circassienne contemporaine à Taiwan. Je propose d’étudier trois compagnies de danse et de cirque : les compagnies Hung Dance ; Lei Dance theatre et FOCA. Toutes ont pour point commun de développer des « écodramaturgies » et de travailler sur la coprésence avec et dans l’environnement. Par exemple, le spectacle Formless erosion de la Huang Dance travaille autour de l’élément aquatique tandis que dans Life-playing game, les artistes sortent des plateaux de théâtre pour danser et jouer dans l’espace public et proposer une création in situ. Ce type de démarche s’inscrit dans le projet de questionner les relations dans un espace partagé et de « fabriquer un nouveau relationnel », pour reprendre les termes de l’argumentaire.

Bio: Éléonore Martin est maîtresse de conférences en arts de la scène à l’Université Bordeaux Montaigne, membre de l’équipe ARTES (UR24141), et Vice-présidente de la SOFETH (Société française d’Ethnoscénologie, ONG agréée UNESCO) depuis décembre 2020. Elle est également membre associé de D2IA (UMRU 241240). Elle a suivi une double formation en études théâtrales et en études chinoises. Elle a effectué plusieurs terrains de recherche à Taiwan et en Chine. Ses travaux portent sur les pratiques spectaculaires chinoises (opéras chinois/théâtre traditionnel chinois ; danse contemporaine ; arts acrobatiques), l’anthropologie des arts vivants-ethnoscénologie et les arts du cirque autour desquels elle a publié de nombreux articles.

(Voir la liste complète de publications : https://cv.hal.science/eleonore-martin et CV disponible sur : https://sofeth.hypotheses.org/eleonore-martin ).

Maxime Milhorat-Gusteau  

Mettre en scène un « opéra écologique » : un geste politique?

En 2010, la tempête « Xynthia » frappe l’Ouest de l’Europe. La France est touchée, notamment la  Charente-Maritime et la Vendée. La ville de la Faute-sur-Mer, construite en grande partie sur une  zone submersible en vue de développer l’économie liée au tourisme balnéaire, est engloutie par un  raz-de-marée.  

Le compositeur Thomas Nguyen s’est emparé de cet évènement pour en faire l’objet d’une création  opératique contemporaine, afin d’aborder les enjeux environnementaux liés à l’eau. Le metteur en  scène Mikaël Serre a mis en relation cet évènement avec un matériau théâtral : Un ennemi du peuple.  Dans cette pièce d’Ibsen, un scientifique peine à convaincre ses concitoyens de la nocivité des eaux  de la station thermale sur laquelle repose l’économie de la ville.  

Tout comme les autres formes d’art vivant, le genre opératique fait face à de nouveaux enjeux liés  au contexte de crise climatique. Dès lors, les artistes, concepteur·ice·s, producteur·ice·s,  chercheur·euse·s universitaires, sont porteur·se·s d’initiatives tentant de répondre à ces défis  environnementaux, s’inscrivant dans des démarches « écologiques » à tous points de vue. Xynthia (…) semble être pleinement inscrite dans cette tendance. En quoi cette œuvre est-elle un exemple  d’« opéra écologique », à la fois dans son appropriation de cette forme pour sensibiliser à la crise  climatique par l’art, mais aussi dans le travail de mise en scène, qui remet en question des normes  de production intrinsèques au genre opératique, et influence ainsi l’« écologie » de l’opéra, au sens  de « milieu » (par exemple, dans la relation à l’interprète dans le processus de direction d’acteur) ? 

Bio: Après une Licence en Études Théâtrales à la Sorbonne Nouvelle, un Baccalauréat et  une Maîtrise en recherche-création en Théâtre obtenus à l’Université Laval de Québec, Maxime Louise est doctorante en Études Théâtrales à la Sorbonne Nouvelle sous la direction de Julia Gros  de Gasquet en codirection avec Alessandro di Profio. Ses recherches portent sur la direction  d’acteur appliquée au chanteur dans la mise en scène d’opéra. En parallèle, elle s’implique dans  divers projets d’ordre théâtraux, opératiques ou interdisciplinaires, et en tant qu’autrice et metteuse  en scène au sein de la compagnie de théâtre L’Après-Dimanche, dont elle est co-fondatrice avec  Héloïse Fizet. 

Knut Ove Arntzen

Perspectives nomades et dramaturgie en spirale dans l’Arctique et le nord de la Scandinavie. Le théâtre sámi du littoral – écologie et décolonisation

Mon propos permet de comprendre le théâtre Sami et inuit du nord de la Scandinavie et du Groenland. Je vous propose une notion dramaturgique bien différente de modèle aristotélicien: la notion de spirale, figure non fermée à la manière classique et linéaire de penser, qui évoque la théorie des labyrinthes de part du situationnisme, et qui donne un nouveau accès aussi à comprendre un théâtre atmosphérique et écologique, aussi bien que de flux ou diffusion libre des moyenne esthétique et le contextuel. Je vais aussi expliquer les notions de recyclage et d’anthropogarde. Les racines populaires et anthropologiques du théâtre aussi bien autochtone et expérimental vont aussi être expliquées. Il s’agit de la «anthopological turn» comme base pour comprendre le théâtre Tuukkaqq, qui a donné la base d’entraînement de l’acteur physique et visuel pour le théâtre groenlandais aussi bien que Sami. On peut aussi comparer avec le théâtre canadien aussi bien que québécois. Je vais communiquer mon propos en français. 

Bio: Professeur émérite en Études théâtrales (Université de Bergen, Norvège), il a travaillé comme critique de théâtre pendant de nombreuses années, publié des articles et livres en Norvège et à l’international, et a participé à de nombreuses conférences à travers l’Europe  (Anvers, Francfort-sur-Main, Montréal, Kaunas, Oslo, Helsinki et d´autres). Éditeur de Nordic Theatre Studies, membre de l´Ex Com, EASTAP. Il a récemment publié Staging and Recycling. Retrieving, reflecting and re-framing the Archive, co-édité avec John Keefe (London: Routledge 2020) et Landscape Theatre and the North – Lullelic Reflections (Stamsund: Orkana 2022), co-edité avec Tormod Carlsen.

Groupe CELAT – Geneviève Chevalier, Francine Saillant, Célia Forget

En résonance. Expériences solastalgiques aux Îles-de-la-Madeleine 

Le projet de recherche et de création Solastalgies créatrices présente une approche inédite pour capter l’expérience de la transformation du littoral des Îles-de-la-Madeleine, en partant du point de vue des personnes qui ressentent, au quotidien, les effets de la crise climatique. Le terme solastalgie évoque l’angoisse de voir son milieu de vie (territoire, paysage, habitat, écosystème) se modifier pour disparaître et les émotions qui en résultent.

À partir de l’atlas expérimental qui concentre l’expérience de notre séjour sur l’archipel, nous présenterons les créations artistiques personnelles (vidéographiques, photographiques, sonores, dessinées) ou participatives (ateliers de co-création avec la communauté de l’archipel) qui en sont issues. Concept et livre d’artiste, l’Atlas Solastalgique est une compilation non-raisonnée et non-méthodique, qui agence images et textes, inventaires sensibles et productions subjectives pour laisser entrevoir les expressions solastalgiques différenciées de la transformation d’un lieu aimé.

Bio : Composée de chercheuses et de créatrices du CELAT (Centre de recherches : cultures-arts-sociétés), l’équipe universitaire rassemble essentiellement des expertises en sociologie (Magali Uhl), anthropologie (Célia Forget, Francine Saillant), études médiatiques (Katharina Niemeyer) et conjugue des pratiques artistiques en design (Amandine Alessandra) et arts visuels (Geneviève Chevalier). Suivant la programmation que nous développons au CELAT, notre perspective est interdisciplinaire, collaborative et ouverte à toutes les formes de savoir et d’expérience. Avec nos partenaires aux Iles-de-la-Madeleine (le Centre d’artistes en art actuel AdMare, le Comité ZIP de concertation en environnement et le Musée de la Mer) nous avons mis en place, dès 2022, un protocole d’enquête et de récolte de récits tourné vers l’expérience des personnes comme des milieux autre qu’humains (oiseaux, végétaux, sédiments, minéraux, etc.).

Axe Théorie et critique

« Et si aujourd’hui j’avais le pouvoir d’un fleuve de mots » : imaginaires et influences du fleuve Saint-Laurent et de l’eau dans les dramaturgies québécoises

Geneviève Dupéré 

écH₂osystème : du fleuve à la scène 

Est-ce que par les arts du cirque, il serait possible d’explorer l’écosystème du Saint-Laurent et de transposer sur scène la profondeur de ce qui nous y relie? 

Le Saint-Laurent est un écosystème immense, omniprésent dans nos vies comme dans nos sociétés. « Ces écosystèmes que nous portons tous en nous se nourrissent de toutes les expériences de notre vie. » (Dansereau, 2013, p.36) Comment faire ressentir – et non seulement comprendre – les interactions entre les altérations des écosystèmes et les conditions de vie humaine ? (Juanals, 2019, p.139) Comme l’écrit l’anthropologue Philippe Descola, il faut imaginer des façons de raconter les écosystèmes, en ne départageant pas l’humain du non-humain. (Descola, 2015, p.22) écH₂osystème s’inscrit dans ces réflexions où les « démarches de recherche création visent à instruire des modalités d’exploration des relations sensibles à l’environnement. » (Blanc, 2019, p.53).  

Évoluant depuis 2017 au gré des vents et des marées, écH₂osystème est une recherche-création acrobatique maritime sur le Saint-Laurent. Ce projet prend sa source de la vitalité de cet écosystème et des échos de plus de 300 collaborateurs et collaboratrices des sciences marines et des eaux douces, des pêcheries et de l’industrie maritime et portuaire. En traversant du fleuve au golfe, des parcelles de connaissances, de savoirs scientifiques, de savoirs pratiques, de vécu et de mémoires s’amoncellent. En interreliant ces parcelles de manière cocréative, écH₂osystème tend le fil d’un récit où la complexité de cet écosystème dont nous faisons partie, traverse du fleuve à la scène et de la scène au spectateur. 

Bio : Depuis 2017, Geneviève Dupéré explore le Saint-Laurent. Elle est conceptrice du projet écH₂osystème, chercheure au CRITAC, professeure à l’École nationale de théâtre, chargée de cours à la maîtrise en environnement et développement durable à l’Université de Montréal et titulaire d’un doctorat en recherche-création, à la croisée des arts et des sciences. Avec ces statuts, elle traverse du fleuve à la scène et crée un modèle de recherche-création socio-écologique  (écH₂osystémique) figurant la complexité des écosystèmes et des questions environnementales. Ses travaux sur la maritimité remontent à 2015, où elle est directrice du contenu historique et maritime du projet phare du 375e anniversaire de Montréal, Avudo. (2017,Cie Finzi Pasca). En amont, elle parcourt le monde durant 20 années tant sur des spectacles d’envergure tels que Luzia (2016, Cirque du Soleil), deux cérémonies olympiques et paralympiques (2014, Cie Finzi Pasca), Unikkaaqtuat (7 Doigts, 2020), que sur des créations allant du cirque à l’opéra. 

Catherine Cyr

Mise en mots, en corps, en flots 

« Comment donner une voix au fleuve? » Cette question, posée par l’autrice Annick Lefebvre, a irrigué l’écriture de la pièce Les filles du St-Laurent où la parole est distribuée entre neuf êtres humains et un cours d’eau. Dans A Letter from the Ocean, création théâtrale vidéographique de Caridad Svich, des mots, portés par une voix féminine, sont attribués à la mer et lancés à une humanité déjà disparue; ils déferlent, se mêlent au paysage sonore, dialoguent avec les images fugaces qui ondoient sur l’écran. Alors que des œuvres théâtrales de plus en plus nombreuses s’attachent à « désanthropologiser le plateau », non en évinçant l’humain mais en entretissant avec l’autre-qu’humain – présences animales, végétales, minérales, élémentaires – de nouvelles modalités de co-présence (Garcin-Marrou, 2019; Sermon, 2021), la question de la parole, de ses possibilités et de ses limites, chaque fois se pose. Si, depuis quelques années, des écrits produits dans le champ des humanités environnementales, notamment en philosophie et en éthologie, ont accusé un « tournant expressif » et ont ménagé au sein de leur dispositif discursif une place pour les pensées, les paroles, voire les graphies d’un oiseau, d’un poulpe, d’un iceberg (tout en reconnaissant la dimension projective du procédé), l’écriture théâtrale se heurte à d’autres défis. La parole scénique, du fait de sa dimension incarnée – elle est portée par un corps et par une voix –, rencontre en effet une aporie : elle cherche à éviter la « ventriloquie » (Garcin-Marrou, 2019) mais ne peut qu’accueillir dans le creuset de son langage propre, et dans le corps des interprètes, la subjectivité (supposée) de l’autre. Dès lors, prises au filet de cette contradiction, nombre de pièces déploient diverses stratégies pour « [p]ermettre au monde non humain de “trouver sa voix”, du moins de la rendre audible, [tout] en lui prêtant la nôtre » (Sermon, 2021 : 131).

Dans cette communication, à travers une perspective écopoétique, ce sont ces stratégies formelles, telles qu’elles se manifestent dans Les filles du St-Laurent et A Letter from the Ocean, qui seront appréhendées. Les dispositifs textuels (rythme, poétiques d’énonciation) et, surtout, scéniques (travail vocal, jeu) seront pris en compte afin d’éclairer les enjeux éthiques, esthétiques et politiques de la mise en mots et en corps du fleuve et de l’océan dans ces pièces. 

Bio : Professeure au Département d’études littéraires de l’UQAM où elle enseigne la dramaturgie contemporaine, Catherine Cyr est l’autrice de plusieurs articles et essais sur le théâtre parus dans divers ouvrages et revues. Elle codirige avec Louise Frappier la revue savante Percées – Explorations en arts vivants. 

Ses recherches actuelles portent sur les perspectives écopoétiques et écoféministes dans le champ des arts vivants. Depuis 2020, elle mène le projet de recherche « Approches écopoétiques des dramaturgies contemporaines » (UQAM, CEAD). Elle codirige aussi, avec Véronique Basile Hébert, le groupe de travail interdisciplinaire « Arts vivants et écologie au Québec » (SQET) et contribue au projet de recherche intersectoriel « Réécrire la forêt boréale : pratiques collaboratives et spéculatives entre littéraires et écologistes » (UQAM, UQAT, CRSH). Elle est directrice adjointe de Figura : centre de recherche sur les théories et pratiques de l’imaginaire. 

Jeanne Murray Tanguay

Cette communication sera l’occasion d’étudier Les saumons de la Mitis (2023) de Christine Beaulieu (texte) et Caroline Lavergne (dessins). Cet « album-théâtre » (Bernanoce, 2019) prolonge, par le biais d’illustrations, la performance éponyme de 2022, où Beaulieu amenait les spectateur·trices à se mettre dans la peau du saumon, menacé par des barrages hydroélectriques. La version papier instaure une coprésence similaire entre les êtres humains et plus-qu’humains. J’examinerai ma propre réception de l’album-théâtre (Frassetti-Pecques, 2015) en observant comment il m’amène à renouveler mes politiques attentionnelles à l’égard du plus-qu’humain (Morizot, 2020). L’exposé relèvera de la pratique analytique créative (Richardson, 2000) : des fragments autofictionnels, à travers lesquels je revisiterai des souvenirs qui me rattachent au saumon, entreront en résonance avec l’analyse dans l’objectif d’inviter les participant·es à réfléchir aux relations qu’il·elles entretiennent avec le poisson.

Bio : Jeanne Murray-Tanguay est doctorante en études littéraires à l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches, dirigées par la professeure Catherine Cyr, portent sur les dramaturgies québécoises documentaires et s’inscrivent au croisement de la poétique du drame et des théories de la lecture théâtrale. Un chapitre de sa thèse est consacré à la réception des écritures post-anthropocentrées. Elle a participé au groupe de recherche Approches écopoétiques des dramaturgies québécoises contemporaines, chapeauté par Catherine Cyr, de 2020 à 2022. Elle agit à titre de secrétaire de rédaction de la revue Percées, de responsable des communications de la SQET, de coordonnatrice du projet de bénévolat Un livre à la fois (UQAM; Gricole) et d’assistante de recherche pour la rédaction du chapitre consacré au théâtre dans le prochain tome de La vie littéraire au Québec. 

Guy-Philippe Côté

L’hantologie scénique du fleuve Saint-Laurent dans Les chemins qui marchent du Nouveau Théâtre expérimental.

En 1993, Derrida développe la notion d’hantologie dans « Le spectre de Marx ». Il soutient l’idée que la première phrase du « Manifeste du parti communiste » de Marx/Engel, « Un spectre hante l’Europe : le spectre du communisme » reflète l’existence d’une trace du passé dans le présent, tel un fantôme qui tourmente les vivants. Il souligne dans cet exemple précis que même la chute de l’Union soviétique en 1991 n’a pas pu tuer la cicatrice indélébile qu’a laissée le communisme dans la psyché occidentale. Depuis, le concept a été utilisé dans de nombreuses œuvres artistiques, notamment en musique (William Basinski, The Caretaker, Board of Canada etc.) Lorsqu’on examine ce concept donc sur les arts scéniques, l’imaginaire de l’eau semble fonctionner comme un spectre de la mémoire du Canada français. Il sera question dans le cadre de cette communication d’aborder la notion du fleuve Saint-Laurent en tant que spectre anthologique dans Les chemins qui marchent du Nouveau Théâtre expérimental. Pour ce faire, j’utiliserai l’approche d’ethnographie spectrale telle que proposée par Justin Armstrong. Il y développe une méthodologie pour accomplir l’ethnographie d’endroit abandonné à travers ce qu’il nomme des « ghost text », ou le dialogue entre le lieu et ses traces matérielles desquels on peut en dégager son récit. Pour les besoins de la communication, j’examinerai la bibliographie d’Alexis Martin pour Les chemins qui marchent pour y étudier ses liens avec la représentation scénique de l’histoire du fleuve Saint-Laurent pour le Canada français. Ultimement, j’émets l’hypothèse qu’il en ressortira un constat bien simple. La représentation de l’histoire du Canada français par son fleuve vit dans la psyché collective comme le spectre d’un patrimoine laissé à l’abandon.

Bio: Un peu touche-à-tout, j’entame mon incursion dans le monde des arts et de la musique dès l’adolescence pour, ensuite, compléter un D.E.C. en cinéma au cégep Garneau. Lors de mon baccalauréat en théâtre à l’université Laval, je participe à divers projets tels l’élaboration de plusieurs éditions du Festival de Théâtre de l’Université Laval. Diplômé de la maîtrise en théâtre de l’université d’Ottawa, j’y ai écrit ma thèse sur l’apport de la configuration du discours culturel du Québec propre à la Trilogie du Futur par le Théâtre du Futur. Tantôt comédien, cinéaste ou technicien, je continue ma pratique artistique à Québec depuis 2021.

Guillaume Dupetit

De l’écoute à la spéculation sonore : vers un nouveau rapport au monde

En cherchant à proposer un rapport au monde plus sensoriel, incarné et immersif au-delà de nos habitudes de représentation, nous centrerons cette communication sur l’écoute environnementale et les fictions soniques, comme une nouvelle façon de percevoir et d’explorer notre relation avec l’environnement par l’écoute et la création sonore. L’écoute environnementale incite à porter attention sur des éléments enfouis, parfois perdus dans la complexité des paysages sonores urbains et pose le défi de retrouver ces informations que notre audition peut décoder de notre environnement auditif. Le projet que nous présenterons au cours de cette communication est constitué de plusieurs étapes successives mettant en dialogue recherche, création et enseignement. 

Au cours d’une balade sensible sur le thème de “la ville trop chaude”, nous avons collecté des matériaux sonores ainsi que des réflexions des participants témoignant de leurs sensations dans les environnements traversés. Ces matériaux nous ont permis de mettre en relation expérience corporelle, ressenti intuitif mais aussi codification culturelle autour des questions écologiques. Les enregistrements ont ensuite été traités et scénarisés avec des étudiants en arts et design sonores afin de créer de nouveau paysages sonores et d’établir un dialogue entre la perception du paysage actuel et des spéculations sonores imaginées. Ces fictions soniques, telles que l’on peut alors les appeler, pourront enfin être utilisées pour servir de support à de prochaines balades et manifestations sonores performatives visant à transformer notre perception de l’espace et de la réalité, par des expériences sonores centrées sur un discours entre écologie, fiction et perception.

Bio : Guillaume Dupetit est enseignant-chercheur à l’université Gustave Eiffel, responsable de la licence Musique et Métiers du Son. Ses recherches actuelles portent sur les liens entre musique, technologies et univers (science) fictionnels, c’est ainsi qu’il intègre le programme de recherche pluridisciplinaire PARVIS (Paroles de Villes – imaginaires futuristes urbains) en 2019. Depuis, il travaille sur la notion de fictions soniques tant dans une perspective de recherche que de création.

Erika leblanc Belval 

Le pistage sonore comme manière de mesurer l’engagement du spectatorat 

S’inscrivant à la suite de mon article « Marcher avec Okinum » publié dans le cahier ReMix « De la possibilité de nos cohabitations » (2022), je propose de réfléchir l’expérience d’écoute des adaptations théâtrales des deux pièces en baladodiffusion comme une manière d’entrer en interrelation avec le vivant, et, plus largement, avec l’autre-qu’humain. Cette réflexion aura fait l’objet du troisième chapitre de mon mémoire Expérience spectatorielle, de lecture et d’écoute des pièces J’aime Hydro (2019) de Christine Beaulieu et Okinum (2020) d’Émilie Monnet. À la manière d’un laboratoire, je souhaite présenter les résultats de ma recherche, mais surtout mettre en lumière la démarche réflexive que j’ai utilisé dans le cadre de mon mémoire. En effet, afin d’étudier la notion immersive du balado (Cyr, 2015, 2018, 2020) et afin de penser l’engagement du spectatorat (Aventin, 2015), j’ai réalisé des écoutes des pièces en format balado dans différents milieux et j’ai rédigé des journaux d’écoute pour mesurer mon engagement à la fois physique, cognitif et émotionnel des œuvres dans une approche autoethnographique (Ellis et Bochner, 2011; Rondeau, 2011; Fortin et Houssa; 2012, Cyr, 2015). Des fragments de ces journaux d’écoute s’entrelacent à ma recherche théorique. En adoptant une posture interprétative somesthésique (Shusterman et Rollet, 2011 ; Cyr, 2018, 2020), je place mon corps au seuil de l’œuvre et du monde. Cette méthode que j’appelle « pistage sonore » (Leblanc-Belval, 2022) est inspirée des travaux de Baptiste Morizot (2018, 2020), de Claire Piché en écologie sonore et en ambiophonie (2007, 2009), des soundwalks d’Hilder Westerkamp (2006) et des recherches en dramaturgies sonores de Jean-Paul Quéinnec (2018, 2019) Plus largement, je me pencherai sur la façon dont les pièces abordent des enjeux environnementaux grâce aux recherches de Julie Sermon (2017, 2018 et 2019).

Bio : Erika Leblanc-Belval est candidate à la maîtrise en études littéraires à l’Université du Québec à Montréal. Son projet de mémoire, sous la direction de Catherine Cyr, porte sur l’expérience spectatorielle, de lecture et d’écoute des pièces J’aime Hydro de Christine Beaulieu et Okinum d’Émilie Monnet. Elle est membre-chercheuse du groupe de recherche Réécrire la forêt boréale. Pratiques collaboratives et spéculatives entre littéraires et écologistes (UQAM-UQAT), dirigé par Jonathan Hope, en collaboration avec Catherine Cyr, Cassie Bérard, Miguel Montoro Girona et Guillaume Grosbois. Elle a également participé au groupe de recherche Approches écopoétiques des dramaturgies contemporaines, piloté par Catherine Cyr, au sein duquel elle a travaillé sur l’expérience d’écoute et sur le paysage sonore de la baladodiffusion de la pièce Okinum de l’artiste multidisciplinaire anishnaabe et française, Émilie Monnet.

Katya Montaignac

Aiguiser l’attention

Bio : Artiste en danse et dramaturge installée à Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montréal, Katya Montaignac crée des « objets dansants non identifiés ». Jeux chorégraphiques, spectacles participatifs, séminaires in(ter)disciplinaires ou banquets performatifs, son travail suscite des collaborations inattendues à travers la mise en jeu d’une diversité de corps et de voix. Riche de nombreuses expériences collectives, notamment avec La 2^e Porte à Gauche et avec La Pieuvre (groupe de réflexion tentaculaire sur l’évaluation de l’art·iste), sa démarche s’inscrit dans une pratique de l’invitation et du dialogue. Elle s’intéresse particulièrement aux corps micropolitiques, à une danse sans ego, aux pratiques radicalement déhiérarchiques, collectives et bienveillantes. Docteure en études et pratiques des arts, elle enseigne et écrit sur la danse (De la glorieuse fragilité : l’Abécédaire ; Tribunes sur la danse ; Curieux manuel de dramaturgie…) et anime des conversations au sein du milieu professionnel (Cultiver son jardin chorégraphique, Chorégraphes anonymes, Club de dramaturgie…).

Axe Théâtre et formation

L’expérience de projets mobilisateurs au regard d’enjeux écologiques et politiques en contexte scolaire

Dans le cadre de son activité, l’axe Théâtre et formation souhaite accorder une attention particulière à l’enseignement de l’art dramatique en contexte primaire, secondaire et collégial.

Suivant la thématique du colloque, nous souhaitons aborder et approfondir des projets mobilisateurs au regard d’enjeux écologiques, politiques et sociétaux. Une table ronde réunira cinq intervenantes afin d’approfondir les expériences d’enseignement et d’apprentissage se rattachant à des projets de production théâtrale ou d’appréciation d’œuvres scéniques qui sont mobilisateurs à l’égard de tels enjeux.

Cette table ronde traitera notamment des questions suivantes :Comment un projet de création peut-il être l’occasion pour les élèves de prendre position et parole au regard de ces enjeux? Comment favoriser l’engagement des élèves dans des procédés créatifs liés à de tels enjeux? Comment ces projets peuvent-ils contribuer à l’émergence de nouveaux modes de création artistique et de pensée? Comment l’appréciation d’une production théâtrale peut-elle sensibiliser, voire mobiliser, au regard de ces enjeux? Quelles sont les répercussions de tels projets?

Bio : Détentrice d’un Baccalauréat en enseignement des arts plastiques et de l’art dramatique (Université Laval), Emilie Desgagnés enseigne à l’école secondaire Saint-Jean-Eudes depuis 2006.  En plus d’y enseigner, elle débute sa carrière en tant que responsable du théâtre parascolaire (2007 à 2013) où elle dirige des élèves et fait la mise en scène de nombreuses pièces de théâtre. En 2012, elle participe à la création du profil comédie musicale dans lequel elle enseigne le volet art dramatique et signe les mises en scène des spectacles de fin d’année (Annie, Grease, Chicago, Mamma Mia!, Six et Matilda).  Depuis 2017, elle est aussi responsable du profil comédie musicale et continue, jour après jour à nourrir sa passion du théâtre et celle de ses élèves.  Depuis novembre 2021, elle siège au conseil d’administration de l’ATEQ (Association Théâtre-Éducation).

Détentrice d’une maîtrise en théâtre de l’École supérieure de théâtre de l’UQAM, Geneviève Lanoue enseigne l’art dramatique au secondaire depuis 1998. Depuis l’hiver 2024, elle est conseillère pédagogique en art dramatique au Centre de services scolaire des Hautes-Rivières. Sa recherche portant sur les stratégies d’apprentissage dans le développement de la compétence interpréter des œuvres dramatiques au premier cycle du secondaire lui a valu le prix du de la chercheuse émergente de l’année 2023 remis par la SQET. Elle participe à la valorisation et à la reconnaissance de l’enseignement de l’art dramatique notamment au sein de l’Association théâtre éducation au Québec (ATEQ) qu’elle a présidé de 2007 à 2018.

C’est à 18 ans que Joanie Jacques eu la passion de l’art dramatique, lors de ses premiers ateliers de théâtre avec les loisirs de Granby. S’ensuit par la suite plusieurs formations, dont un DEC en exploration de l’art dramatique un BAC en enseignement de l’art dramatique et une formation régulière en animation radio et télévision. Depuis, Joanie n’a cessé de se perfectionner en travaillant comme enseignante auprès d’élèves de niveau primaire. À ce jour, elle a aussi fondé la troupe de théâtre Folles folies de filles et la troupe Plan B. Sans aucun doute, Joanie est faite pour l’art dramatique!

Patricia-Anne Blanchet est conseillère en pédagogie autochtone à la Faculté d’éducation de l’Université de Sherbrooke. Elle y coordonne le comité M8wwa ᒪ ᒧ mamu qui œuvre, avec de nombreux partenaires autochtones, à la sensibilisation aux réalités des Premiers Peuples ainsi qu’à l’inclusion des perspectives autochtones en éducation. Doctorante, chargée de cours et artiste-pédagogue en art dramatique, ses intérêts de recherche portent sur l’éducation aux arts vivants en contexte autochtone dans une visée de mieux-être holistique.  Á titre d’alliée, Patricia-Anne agit également comme consultante et conceptrice pédagogique pour diverses organisations autochtones en éducation (La BRV, CPNN, CEPN, RCAAQ, etc.)

Roxanne Martin 

L’écoconception : le recyclage comme moteur de création en scénographie

Une fois les représentations théâtrales terminées, le vêtement de scène est la plupart du temps modifié et réutilisé pour la production suivante. Ce recyclage des costumes a longtemps été motivé par des considérations financières, mais plus récemment, il est aussi le fruit d’une préoccupation environnementale, puisque l’industrie textile est le deuxième secteur le plus polluant au monde. La réutilisation des vêtements de scène est une chose courante au Québec depuis les années 1970. Plusieurs ateliers et organismes, comme le Centre national du Costume et plus récemment Le Grand Costumier travaillent dans une approche circulaire à promouvoir les métiers du costume et créer des ponts entre les artisans et la relève.

Le recyclage à grande échelle des éléments de décor est par contre plus récent. Depuis quelques années, certains organismes se dédient à accompagner les compagnies dans leur transition écologique. Écoscéno, par exemple, un organisme fondé en 2019, sensibilise les concepteurs de décors et les compagnies de théâtre à la valeur de la réutilisation. Ces organismes contribuent ainsi à réduire l’empreinte écologique de l’industrie de la scénographie, à réduire les déchets qui se retrouveraient autrement à la décharge et ainsi promouvoir autrement la création scénique. Selon l’axe « Porter attention », j’aimerais m’attarder à la notion d’écoconception qui appelle à la reconfiguration des pratiques en scénographie dans une visée écoresponsable et qui contribue à l’émergence de nouveaux modes de création chez les concepteurs de costumes et de décors. Les changements climatiques mèneront les créateurs vers une conception, une confection, un réemploi et un recyclage de ces objets dans une économie circulaire, que l’Union des scénographes (France) qualifie de cycle d’éco-scénographie. Je me baserai d’abord sur les écrits de Sylvie Perault dans son approche ethnologique du costume de scène et je propose de faire un état des lieux des problématiques soulevées par Ralph Elawani (Jeu, 2020), il y a presque 4 ans, et comment elles s’inscrivent dans la réalité théâtrale actuelle.

Bio : Roxanne Martin est professeure de théâtre et de littératu re au Collège André-Grasset (Montréal). Elle s’intéresse au costume et à la scénographie québécoise depuis plusieurs années. Elle s’est attardée d’abord au travail du peintre Alfred Pellan comme scénographe et concepteur de costumes. À ce sujet, elle a contribué à deux ouvrages, Alfred Pellan. Le rêveur éveillé (MNBAQ, 2013) et Pellan & Shakespeare : le théâtre des rois (MMAQ, 2017), tirés de deux expositions sur le travail du peintre. Elle a signé les éléments consacrés à la scénographie dans l’ouvrage Le théâtre contemporain au Québec 1945-2015 (PUM, 2020), sous la direction de Gilbert David. Puis, dans le cadre de son doctorat, elle s’est intéressée à l’approche du vêtement de scène de François Barbeau et de sa vision du métier de concepteur de costumes (Université Laval, 2018). Une monographie tirée de sa thèse de doctorat sera publiée bientôt (PUM, 2024).

David B. Ricard

Solo pour trois projos (ou plus) : recycler les technologies, entrer en relation et créer avec elles, une position écosophique. 

Durant l’été 2020, j’ai été témoin du vidage d’un appartement. Les videurs ont  jeté l’entièreté du matériel de la locataire défunte par-dessus la rambarde du deuxième  étage. En voyant les téléviseurs cathodiques se fracasser au sol, un sentiment  d’impuissance m’a amené à prendre la décision d’utiliser un maximum de matériel  considéré comme désuet pour mes projets de création. 

La pensée écosphique dans la veine des Nouveaux Matérialismes et de l’Object  Oriented Ontology, se veut l’occasion de replacer l’humain au sein d’un environnement  dé-hiérarchisé et de questionner le rapport à son habitat. C’est à partir de cette  philosophie que j’ai développé la performance Solo pour trois projos. 

Comment ne pas instrumentaliser un instrument ? Mon hypothèse repose sur  des processus tels que l’écoute augmentée, l’individuation collective et l’improvisation, lieux de convergence d’affects en devenir s’opposant à  l’aboutissement de formes.  

Les technologies désuètes deviennent partenaires, cocréatrices et matières  d’inspiration. Jammer avec elles, faire chanter leurs circuits électroniques est un acte  politique, un hymne au vivant (dans un sens large) ou au caractère toujours résonnant d’une matière destinée à l’enfouissement.  

Bio : David B. Ricard, artiste multidisciplinaire basé à Québec, travaille avec la vidéo, le théâtre, le cinéma et la performance. Ses intérêts de recherche se concentrent sur la création intuitive, introspective et relationnelle. Il développe des outils d’improvisation et d’interaction qui favorisent la création spontanée et les échanges interartistiques. Ses penchants écosophiques le poussent à privilégier le détournement, la réutilisation et la remise en valeur d’outils jugés obsolètes. Il développe des méthodes de création collectives et alternatives basées sur des procédés de dé-hiérarchisation des langages et rôles scéniques. Les réflexions philosophiques et émotionnelles, ainsi qu’une approche expérimentale de la narrativité le poussent à développer des œuvres éclatées basées sur une dramaturgie plurielle.

Lara Kanso 

L’anatomie d’une rencontre entre un lieu et une corporéité

Appréhender un lieu avec une « corporéité » consciente fait de la rencontre un moment de co-création de sensations. Dans Du sens au sens (1989), Erwin Strauss définit la sensation comme étant « un mode de communication vitale, immédiate, sauvage et irrationnelle, […] une empathie avec le milieu ». Or, quand, les deux corporéités, humaines et spatiales, ou si j’ose dire, les deux chairs, au sens que Merleau-Ponty lui donne, à savoir « l’entrelacs de multiples sensations », ont déjà en commun la mémoire d’une même guerre, leur re-rencontre où chacun est lui-même, mais aussi un « autre », est vivante. Comment s’est fait alors mon retour vers les quelques lieux qui avaient marqué mon enfance et façonné mon corps/ territoire? Et quels récits donnent à voir, à entendre, à sentir, à toucher ce face-à-face avec des lieux de claustration et des lieux d’ouverture sur un territoire de guerre? Dans cette expérience qui montre que l’absence de la nature et de “l’autre-qu’humain” dans le quotidien de l’humain a autant d’impact que leur présence. Je partagerai au cours de cette conférence- performance les résultats de mon premier laboratoire de recherche-création doctorale. Le mot partage est à considérer dans la définition qu’en donne Georges Didi-Huberman dans son livre Le témoin jusqu’au bout (2022) : « C’est la puissance du mot partage que de conjoindre […] une division constitutive (mettre à part) et une nécessaire mise en commun (prendre part). C’est alors que ce qui nous partage à l’intérieur nous é-meut vers l’autre, nous com-meut avec autrui”. Cet “autre” est à la fois le lieu et le territoire; mais aussi le spectateur.

Bio: Lara Kanso est metteuse en scène et doctorante en « Littérature, arts de la scène et de l’écran» à l’Université Laval, au Canada. Elle a mis en scène et co-écrit plusieurs créations théâtrales multidisciplinaires et interculturelles. Elle a collaboré à l’Encyclopédie Le Théâtre dans l’Histoire : les scènes, les hommes, les œuvres (2016). Son texte dramatique « Tu m’as souvent parlé de bonheur » a été publié en France en 2023. Elle travaille actuellement sur une création théâtrale dont elle signe la mise en scène et l’écriture avec le Petit Théâtre du Vieux Noranda. Sa recherche-création doctorale porte essentiellement sur le théâtre néo-documentaire, revisité à la lumière des théories du néo-matérialisme et d’écologie dans les arts vivants. 

Brigitte Joinnault et Hanna Lasserre

Loire, Divonne, Aygalades : dire et créer l’attachement au fleuve 

Cette contribution propose d’interroger les interactions entre artistes et botanistes, ainsi qu’entre pratiques artistiques et scientifiques, imaginaires et savoirs, dans des performances déambulatoires qui visent à dire la richesse et l’agentivité du monde végétal afin de susciter un désir d’attention et d’amener à penser et reconsidérer autrement nos attachements à la flore. Nous analyserons le rapport aux savoirs et aux croyances, ainsi que les modes d’adresse induites par la déambulation. Ce que nous dit l’eau rituel d’attachement de Floriane Facchini & Cie (2023), se présente comme une « expérience hybride au carrefour du culinaire et du regard artistique porté sur un paysage » et nous servira d’appui pour questionner les modalités d’association de la marche, des arts de la parole, de la création sonore, des sollicitations olfactives ou gustatives, et la manière dont elle travaille à la fabrique de nouveaux relationnels.

Bio: Le programme de recherche Théâtre & Transitions : écologie profonde, intelligence collective (Ttépic) a été initié en 2021 par trois chercheureuses en études théâtrales du Centre Transdisciplinaire d’Epistémologie de la Littérature et des Arts vivants (CTELA) de l’université Côte d’Azur, Stéphane Hervé, Brigitte Joinnault et Hanna Lasserre. Iels préparent actuellement un ouvrage collectif Théâtre et transitions écologiques et sociales : participation, territoire, paysage, et mènent un projet intitulé « mettre en jeu de nos relations aux fleuves : éprouver, dire, rêver ». Un groupe interuniversitaire Ttépic a également été créé au printemps 2023.

Emma Merabet

Au temps des métamorphoses : danser et panser les abîmes du monde

Dans Métamorphoses (2020), Emanuele Coccia pense l’intégralité des formes de vie au prisme de la métamorphose, qu’il envisage à la fois comme un phénomène et comme une relation unissant entre eux tous les êtres, tous les règnes et toutes les espèces, mais aussi le vivant et le non-vivant. Au cœur du travail chorégraphique de Vania Vaneau, cet art de la métamorphose permet de composer des corps chimériques et interspécifiques que la danseuse imagine pouvoir se connecter à des mondes plus-qu’humains. En étudiant son solo Nebula (2021) – à la fois danse de l’attention, fiction de régénération et rituel de guérison – j’interrogerai la manière dont les gestes et les imaginaires de la métamorphose peuvent s’offrir, à l’ère de la crise écologique, comme de possibles embrayeurs d’action et de transformation.

Bio : Emma Merabet est doctorante en arts de la scène et enseigne à l’Université de Franche-Comté. Ses recherches interrogent les formes scéniques où l’humain n’est plus au centre des attentions et où les éléments non-humains (matières, objets, animaux, machines, phénomènes naturels…) deviennent des présences et des agents à part entière. Membre du Laboratoire Passages XX-XXI (Lyon), elle collabore à l’axe de recherche « Arts et humanités environnementales » coordonné par Julie Sermon. Son implication au sein de ce groupe interdisciplinaire l’amène à s’associer à des chercheur·euses en sciences humaines et sociales pour penser les expériences artistiques au prisme de la crise écologique.

Julie Andrée T.

Le corps-dépaysage, bithématisme et coprésence

Le dépaysage se comprend d’abord comme la défaillance du paysage et des codes esthétiques qui s’y rattachent. L’expérience qui en découle, le dépaysement, consiste en un déplacement de nos repères, en une rupture avec un territoire connu. Sous la plume de Jean-Clarence Lambert artisan de ce néologisme dans les années 50, les dépaysages sont « des morceaux de nature insituables ». Par conséquent, je propose une communication sous la forme d’une performance-conférence qui explore la notion de corps-dépaysage à travers les œuvres d’Étienne Boulanger, Annie Baillargeon et moi- même Julie Andrée T. Ici, nous verrons qu’un corps autre émerge grâce à une forme de coprésence entre paysages et corps. Ces rencontres improbables provoquent une variété de dynamiques dialogiques : politiques, poétiques, critiques, etc. De ces corps-dépaysages, nous observerons des résonances esthétiques qui rappellent le sublime d’Edmund Burke (1729-1797) et l’expérience qui en découle le « delight ».

Bio : Membre de la CÉLAT et Doctorante en Études et Pratiques des arts de l’UQAM, Julie Andrée T. c’est vu octroyer en 2023 des bourses du CRSH et du FRQSC pour son projet de recherche Esthétique du dépaysage ou la défaillance du paysage. Commissaire d’exposition, reconnue à l’international comme artiste interdisciplinaire, elle travaille de 2008 à 2011, à la School of Museum of Fine Arts de Boston comme professeure invitée en art performance. En 2018, elle complète, à l’UQAC, une maîtrise recherche-création en art qui portera sur les thèmes de la mort, du paysage et du sublime. En 2020, à Saint-Siméon (Charlevoix-Est), elle co-fonde le Centre Inouï dont la mission est de faire connaître l’art actuel à travers le patrimoine. Enfin, depuis plusieurs années, elle collabore aux recherches de monsieur Jean-Paul Quéinnec et est chargée de cours à l’Unité d’enseignement en arts de l’UQAC. 

Valérie Paquet  

Les écoféminismes dans les pratiques créatives : penser la réciprocité à travers les savoirs  incarnés  

Cette communication vise à articuler pratiques artistiques et réflexions écologiques à travers la  revendication de l’existence d’une sensibilité écoféministe par une communauté de femmes  artistes au Québec. Cette communauté émergente place au cœur de ses préoccupations la centralité du corps-territoire, les savoirs traditionnels ainsi que les pratiques du soin, en  positionnant le corps comme « réservoir de savoir-faire » (Federici, 2020). Le corps est ainsi un «  corps médial », au sens mésologique, comme le lien vital qui lie l’être à son environnement, un  espace poreux, qui le situe à la fois dans son milieu et qui lui permet d’interagir avec lui. Ainsi, le  « corps médial » est central pour décloisonner nos perceptions, notamment dans les possibilités  qu’il offre d’être le seuil entre les savoirs incarnés et les possibilités de transfert des connaissances  par les expériences sensibles et les relations entre sujets humains – et davantage avec les sujets  « extra-humains ». 

Cette proposition interdisciplinaire prend son ancrage dans le domaine de la communication  environnementale, et tente de saisir comment les pratiques artistiques, mobilisant une sensibilité  écoféministe, créent les possibilités d’un « artivisme » qui apparait à travers le soin de la matière,  comme le soin du monde naturel. À travers le portrait de plusieurs femmes artistes, de la danse à  la cueillette performative, cette communication dévoilera des voix et des pratiques qui brouillent les frontières et refusent une hiérarchisation des pratiques créatives. Ces artistes proposent une  réflexion sensible sur notre relation aux différentes formes du vivant et transforment nos possibilités de réciprocité.  

Bio : Valérie Paquet est doctorante en communication, avec une concentration en études féministes, à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) où elle est également chargée de cours. Son travail doctoral s’inscrit dans le champ des études en communication environnementale et privilégie une approche de proximité dans laquelle les expériences sensibles sont abordées comme des sites de dévoilement des connaissances. Elle a récemment publié un rapport de recherche avec ARTENSO sur le lien entre pratiques artistiques et transition socioécologique dans la Francophonie (2021). Elle est actuellement chercheuse à l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC) et membre de l’Institut de recherches et d’études féministes (IREF) de l’UQAM.

Axe Théâtre québécois d’hier à aujourd’hui

Le territoire dans la dramaturgie au Québec et au Canada français

Sophie Devirieux

Les petites mains du territoire : analyse comparée de deux pièces en Abitibi

Un coin jeté dans l’nord (2022) d’Alexandre Castonguay et Nicolas Lauzon et Habiter les terres (2016) de Marcelle Dubois proposent un retour en Abitibi, territoire de la dernière colonisation québécoise, valorisé pour ses matières premières puis délaissé après la baisse des activités d’extraction. Chez Castonguay et Lauzon, la fermeture d’la shop a bousculé l’ordre social tandis que, chez Dubois, dans la commune utopique de Guyenne, la terre « garde toujours un ou deux filons pas découverts pour laisser au chercheur d’or, au vrai, le bonheur de croire que demain, ce sera pour lui, et lui seul, qu’elle ouvrira ses entrailles » (Castonguay et Lauzon, p. 22) Si trouver le filon d’or témoigne d’une appartenance charnelle à la terre, la perte du lien d’exploitation via la shop laisse les gars du coin dans un désœuvrement violent. Dans les deux cas, le retour au territoire d’une jeune femme provoquera le passage à tabac d’un bouc émissaire : la prise d’otage d’un représentant du gouvernement, enterré jusqu’à la ceinture par la communauté résistante de Guyenne – qui se défend d’être terroriste ou souverainiste –, et un viol collectif déguisé en « carnaval de la bouette », perpétré par les gars d’la shop.

Bien qu’adoptant un registre et des postures différents, les deux pièces recourent à un « imaginaire colonial québécois » (Giroux, 2020) pour mettre en scène l’appartenance au territoire de personnes en quête de leurs racines, perdues ou à venir.

Bio: Sophie Devirieux est conseillère dramaturgique et chercheuse. Sa thèse de doctorat intitulée Politiques de la scène. Une analyse comparative des scènes contemporaines de théâtre entre Montréal et Berlin lui a mérité le prix de la chercheuse émergente de la SQET. Elle est aujourd’hui chargée de cours à l’École supérieure de théâtre de l’UQÀM et conseillère à la réussite en Littératures et de langues du monde de l’Université de Montréal. Elle est également chercheuse associée à la Chaire de Recherche du Canada en études des minorités à l’Université de Waterloo (ON).

Alexandre Gauthier

Michel Marc Bouchard et le fardeau du territoire

Comme l’affirme Francis Langevin, « la mort […] est une fonction cardinale de la représentation de la région, à travers notamment les motifs migratoires du retour, de l’exil et de la transhumance. C’est la mort […] d’un parent qui motive un mouvement des personnages vers la région d’origine, ou encore qui motive leur départ de cette région. Une série de retours visent donc à révéler des traces du passé, à interpréter — pour le célébrer ou le critiquer — un héritage menacé d’effacement. » (2019) S’il écrit ceci dans un contexte où l’on constate une résurgence de la région dans la production littéraire et dramatique québécoise et franco-canadienne récente, force est d’admettre que cet imaginaire régional, cette « régionalité » est bien présente chez Michel Marc Bouchard depuis Les feluettes. Il s’est toujours gardé d’être associé au terroir ou à une forme de régionalisme, car le premier territoire exploré n’est pas le lieu géographique, mais bien d’abord celui « du cercle familial ». (Huffman, 2007)

Or, la famille et la région sont indissociables et, dans Le Chemin des Passes-Dangereuses (1998) et La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé (2019), on trouve la trinité identifiée par Langevin : région, retour, mort. Mais le rapport à l’ « héritage » est complexe. En fait, de quel héritage s’agit-il au juste? Comment l’opposition ville-périphérie-région dans les deux pièces permet-t-elle d’interpréter les personnages, leur passé, leur avenir? Comment le lieu participe-t-il à l’identification et à la différenciation des personnages? (Langevin, 2016) Quel est le rapport entre le territoire et le secret. Peuvent-ils y échapper? Ou portent-ils en eux, comme un fardeau, leur terre natale?

Bio: Alexandre Gauthier est doctorant en lettres françaises à l’Université d’Ottawa. Sa thèse de doctorat porte sur le rapport entre l’imaginaire catholique et l’écriture dramatique au Canada français après la Révolution tranquille et sur la façon dont cet imaginaire contribue à la construction des personnages masculins. Titulaire d’une maîtrise en jeu classique de la Royal Central School of Speech and Drama de Londres, il est comédien, professeur à temps partiel au Département de théâtre de l’Université d’Ottawa et trésorier de la Société québécoise d’études théâtrales. Il est aussi assistant de recherche au Laboratoire de recherche sur les cultures et littératures francophones du Canada sous la supervision de Lucie Hotte.

Sandrine Duval 

D’Overlap à Bouée ou de l’exiguïté à l’(univers)el·le

« Chuis une zone grise au milieu de vos guerres de clocher en noir et blanc. » (Overlap, p.30)

L’univers théâtral que Céleste Godin met en scène dans Overlap (2020) et Bouée (2023) se situe dans une zone grise, qui est à la fois ancrée dans l’exiguïté d’une petite littérature nationale, telle que décrite par François Paré (1992), et dans une tentative d’universalité qui dépasse tout centre littéraire. Le territoire, qu’il soit régional ou intergalactique, devient un outil de questionnement et de (dé)construction de l’identité.

Cette (dé)construction se produit grâce à une stratégie de décentralisation où les personnages quittent la région périphérique pour aller non pas vers la métropole, mais vers l’espace intersidéral. L’exiguïté devient un prétexte à l’expérience régionale commune dans Overlap. En ces lieux, « [l]es particularismes locaux deviennent ainsi les signes d’un particularisme » non plus national, comme le propose Francis Langevin (2016), mais universel. Puis, Bouée utilise l’espace, un lieu où les codes et les normes sociales sont perpétuellement en (dé)construction, pour mobiliser simultanément les outils d’assimilation et de différenciation (Casanova, 1999). 

Ainsi, l’univers théâtral de Godin repousse le territoire, cela lui permet de faire à la fois inventaire et table rase des identités, pour tenter de mettre en lumière l’humanité. Dans cette perspective, l’approche géocritique, telle que définie par Bertrand Westphal (2007), permettra d’analyser les interactions entre l’espace et les représentations littéraires. Les travaux de Julia Serano (2007) et Judith Butler (1990) offrent également des perspectives enrichissantes sur la (dé)construction des genres dans l’œuvre de Godin.

Bio: Sandrine Duval est étudiante au doctorat en littérature française à l’Université McGill. Sa thèse, porte sur la dramaturgie des femmes franco-canadiennes et est financé par le Conseil de recherche en sciences humaines du Canada. Elle a effectué un stage de recherche auprès de la chaire de recherche dans le cadre du programme de Coopération en recherche dans la francophonie canadienne de l’Association canadienne-française pour l’avancement des sciences (Acfas). Elle détient une maîtrise en études littéraires de l’Université de Moncton.

Alexandre Cadieux

Repousser la frontière : colonisation du territoire et théâtre de genre

Comme le rappelait le géographe Jean Martin en 1993, de la défaite française de 1763 résulta un enclavement : « Après la Conquête, l’espace français en Amérique va se trouver radicalement transformé. D’ouvert qu’il était, il se verra d’abord enfermé, puis forcé au repli par les redécoupages de frontières et l’établissement de nouvelles populations anglophones sur son flanc ouest. » (1993 : 407). Cette fermeture spatiale aurait prévenu le développement à long terme d’un imaginaire québécois de la « frontier » toujours repoussée, théorisée par Frederick Jackson Turner en 1893 et observable dans les cultures états-uniennes et anglo-canadiennes du XIX^e siècle, avant d’être en partie réactivée au siècle suivant par John F. Kennedy et la conquête de l’espace.

La dramaturgie québécoise contemporaine fournit pourtant quelques exemples de conquêtes territoriales et de frontières repoussées. Les pièces Dominion (2013) de Sébastien Dodge et Nous autres antipodes (2014) de Marie-Claude Verdier ont ceci en commun qu’elles pourraient toutes deux être qualifiées de théâtre « de genre » (le western pour la première, la science-fiction pour la seconde) et être lues comme des critiques de certains « triomphes historiques » canadiens et québécois, à savoir le développement du Canadien Pacific ou encore la Révolution Tranquille et la montée du Québec Inc. Qui sont les collectivités répondant ici à l’appel de la frontière ? Que cherchent-elles ? Comment les libertés octroyées par les codes de la littérature de genre permettent-elles de revisiter ou d’imaginer ces prises de territoires ?

Bio: Alexandre Cadieux est responsable du centre de documentation au Centre des auteurs dramatiques (CEAD). Il a aussi été chargé de cours à l’École supérieure de théâtre de l’UQAM et au département de théâtre de l’université d’Ottawa, critique au Devoir et à la revue JEU, arbitre à la Ligue nationale d’improvisation (LNI) et aide-bibliothécaire à l’École nationale de théâtre du Canada.